Qu’elle arrache un sourire, soulève le cœur, hérisse le poil, la voix de Céline Dion ne laisse personne indifférent. Elle a marqué la bande-son de plusieurs générations. Débutée en 1982 dans un petit coin du Québec, la carrière de la chanteuse a été le pari perpétuel de deux accrocs au jeu et au succès, Céline et René Angélil, son âme sœur et imprésario. Céline Dion raconte la construction précautionneuse d’une carrière internationale vers la conquête de tous les publics. En revenant sur l’ensemble de sa production musicale, sur les épisodes-clefs de l’un des plus impressionnants grands chelems pop des dernières décennies, ce livre donne aussi à voir la conquête plus personnelle de sa voix, cheminement physique et spirituel marqué par la discipline d’une vestale romaine. Valentin Grimaud est l’auteur d’une monographie sur Mariah Carey aux éditions Le mot et le reste (Mariah Carey, Casta Diva, 2020), à laquelle Céline Dion, Vestale fait suite. Il publie également des articles sur la voix dans les musiques populaires (à paraître en novembre 2022, revue Audimat), ou des ouvrages en co-auteur pour Grasset. Ancien élève de l’École Normale Supérieure de Lyon et agrégé de lettres modernes, il enseigne dans un lycée francilien.

Depuis plusieurs années, une vague de prise de conscience féministe déferle dans les milieux culturels.

Pourtant subsistent des formes subtiles ou inconscientes de domination masculine : male gaze, invisibilisation des femmes racisées, sexualisation des corps, stéréotypes de genre, romantisation de la violence, grossophobie... Et les violences faites aux femmes sont innombrables ; on dit souvent que c’est une question culturelle : c’est celle du patriarcat qui domine dans nos sociétés.

Julie GALLOIS interroge la manière dont le patriarcat s’infiltre, se manifeste et se perpétue dans les récits audiovisuels populaires post #metoo. Les séries et les films ne sont pas de simples divertissements : ce sont des miroirs et parfois des moteurs de nos constructions sociales. Elle explore les mécanismes de représentation genrée, met en lumière les clichés et archétypes patriarcaux, mais valorise également les œuvres qui sortent de ce schéma patriarcal.

Elle montre combien les récits façonnent nos imaginaires et nos normes sociales. Le projet est aussi une quête sociétale : comprendre comment nous pouvons résister à ces normes et en créer de nouvelles.

Vous maîtrisez les bases de SketchUp, acquises grâce au livre SketchUp Guide Pratique ou lors d’une formation ? Alors il est temps de développer vos compétences et de booster votre productivité grâce aux techniques avancées de ce livre. Ciblant principalement le domaine de l’aménagement intérieur et de la décoration, il conviendra à tous ceux qui cherchent à représenter leurs idées en 3D, même les plus folles.
Contenu :

• Modéliser précisément la situation existante et projetée,
• Installer et utiliser un grand nombre d’extensions, dont beaucoup sont gratuites,
• Méthodes de modélisation avancées pour réaliser des formes complexes,
• Méthodes de positionnement, d’orientation et d’espacement d’objets dans l’espace 3D,
• Création et application de matières texturées sur des formes complexes,
• Représenter les éclairages artificiels,
• Calculer longueurs, surfaces et volumes puis quantifier et évaluer les coûts,
• Améliorer la qualité de vos documents de mise en page LayOut,
• Donner du réalisme à vos images à l’aide d’une extension de rendu photo-réaliste.

The Downward Spiral (1994) de Nine Inch Nails est considéré comme l’un des albums les plus marquants des années 1990, à la fois pour son audace sonore, sa noirceur émotionnelle et son influence sur la musique industrielle et alternative. L’auteur propose une analyse approfondie des quatorze titres qui forment cet album culte, avec l’apport des propos de Trent Reznor ainsi que les témoignages de ses musiciens et producteurs. Une immersion totale dans la genèse, le contexte, la forme et le fond de The Downward Spiral, ce disque charnière qui a propulsé Nine Inch Nails au rang de groupe mythique. C’est aussi l’occasion de revenir sur la tournée Self Destruct Tour et ses 178 dates jouées à travers la planète pendant dix-huit mois et les stigmates indélébiles qu’elle laissera sur le groupe. Chanteur guitariste au sein de plusieurs formations rock, Paul publie deux albums avec le groupe Lézard et un disque avec le collectif Even If. Parallèlement à cette carrière de musicien, il est auteur de bandes dessinées depuis une vingtaine d’années et collabore à de nombreuses publications en tant que coloriste. Il est également l’auteur de deux ouvrages sur The Cure et John Lennon.

Entre 1964, année de l’arrivée des Beatles en Amérique, et 1972, le rock connaît sur l’ensemble de la côte ouest des États-Unis une ébullition créatrice sans équivalent. De Seattle à San Diego en passant par San Francisco et Los Angeles, des milliers de jeunes musiciens s’approprient la fraîcheur et la liberté des Fab Four pour révolutionner le rock, donnant à la contre-culture américaine des années soixante sa bande-son idéale. Surf, garage, folk rock, psychédélisme, sunshine pop, country rock, etc., les genres se créent, se télescopent et fusionnent avec une énergie dont Le Rock West Coast de 1964 à 1972 constitue le panorama le plus complet à ce jour. Icônes et sans-grades, suiveurs et francs-tireurs, tous sont racontés au fil des articles de cette somme. Spécialiste des musiques américaines, né en 1984, Steven Jezo-Vannier explore leur histoire et les phénomènes sociaux qui les accompagnent, des racines du jazz au rock des sixties. Il leur a consacré une quinzaine d'ouvrages, biographies (Frank Sinatra, Ella Fitzgerald), monographies (The Doors, Creedence), essais (Music Connection, Les parrains de la musique américaine au XXe siècle) et films documentaires (Dieu, Diable et rock'n'roll).

« Ce livre n’est ni un guide des “musiques d’ailleurs”, ni une étude ethnomusicologique. C’est juste un carnet de voyage, de rencontres, avec des artistes dont les disques et les concerts m’ont embarqué loin, des artistes qui créent, transcendent, transmettent, transportent, par-delà les frontières, les institutions, les religions, les couleurs de peaux. Des artistes qui vont vers la culture de l’autre, montrent un dialogue possible, des artistes qui, avant tout, s’écoutent pour s’entendre !
Les instruments, les sons, les chants circulent, s’échangent et se métissent depuis longtemps et encore plus aujourd’hui avec les innovations technologiques qui facilitent la pratique, la production, la diffusion, l’écoute. La musique est là instantanément, partout. C’est peut-être le medium le plus universel, en tout cas le plus partagé. La musique est par essence un art collaboratif. Quel est le chemin parcouru par ces artistes qui dialoguent avec des notes ? »

Avec les portraits et les interviews de Natacha Atlas, Mamani Keita, Frédéric Galliano, Martin Meissonnier, Wasis Diop, Aziz Sahmaoui, Trilok Gurtu, Hadja Kouyaté, Justin Adams, Serge Tessot-Gay et Khaled Aljaramani (Interzone), Guo Gan, Aly Keïta, Nguyen Lê...

La vie du pianiste Arthur Rubinstein a tout d’un roman d’aventures. Des fumées charbonneuses de sa Pologne natale aux lumières d’Hollywood où il remporta un Oscar, de ses difficiles années d’apprentissage à Berlin aux excès de sa vie parisienne, son destin épouse les soubresauts du XXe siècle qu’il traversa de part en part. Fantasque et séducteur, Rubinstein prit grand soin de façonner sa propre légende dans les médias : celle d’un pianiste dilettante menant une existence mondaine effervescente, cédant volontiers aux plaisirs de la vie et au charme des femmes. Pourtant, derrière son regard pétillant et son sourire irrésistible se cachait un homme tourmenté, rongé par le doute, exigeant, intransigeant, parfois même intolérant, et qui alla jusqu’à tenter de mettre fin à ses jours. De cette personnalité complexe et contrastée naquit un interprète exceptionnel, virtuose accompli et maître de son art, dont l’existence tout entière était en réalité vouée à la musique qu’il vivait avec une intensité presque mystique. Emilie Munera est journaliste et titulaire d’un diplôme d’enseignement de l’histoire de la musique de l’Ecole normale de Musique de Paris. Après avoir travaillé à Piano Magazine et France Bleu, elle intègre France Musique et présente "En Pistes" depuis septembre 2014. Emilie Munera est également l’autrice de grands entretiens d’artistes et de podcasts sur de grands interprètes. Avec Alexis Goyer, elle a co-écrit les deux tomes de Rocktionary.

Cet ouvrage propose au lecteur une réflexion sur une activité très réputée : la haute couture parisienne. Il montre comment cette activité s’est professionnalisée et institutionnalisée à travers plus d’un siècle d’existence. Il explique comment la haute couture parisienne a su se distinguer des industries de la mode situées hors de France. Ce livre s’intéresse aussi à des secteurs en lien avec la haute couture et, en particulier, au prêt-à-porter des couturiers et à la création de mode. Il consacre une large place à l’organisation professionnelle de ce secteur en y retraçant les évolutions des chambres syndicales et des fédérations qui ont vocation à rassembler les acteurs de cette profession. Enfin, il étudie quels sont les liens entre la haute couture parisienne et les villes, à l’aide de travaux académiques, mais aussi à travers des études de cas et des témoignages. Cet ouvrage repose sur l’étude d’archives professionnelles inédites et sur des entretiens effectués ces quinze dernières années avec de nombreux dirigeants actuels et passés d’entreprises de haute couture, de création de mode et de luxe. Ce livre est destiné à un public de chercheurs, d’enseignants, d’étudiants et de professionnels, ainsi qu’à tous ceux qui s’intéressent aux industries de la haute couture et de la mode.

Aucun domaine n’échappe désormais à l’augmentation du nombre de prix culturels, qui croisent des intérêts esthétiques, économiques, sociaux et politiques.
À travers une pluralité d’approches (littérature, histoire de l’art, études cinématographiques et théâtrales, arts plastiques, sociologie, économie, sciences de l’information et de la communication), cet ouvrage propose une analyse comparée des prix littéraires et artistiques dans l’espace francophone, en examinant tant leurs modalités d’institutionnalisation que leurs effets sur les carrières, les œuvres, les publics et leur rôle dans la définition des normes.